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sábado, 7 de junio de 2014

El poder y la violencia en los niños perdidos

A continuación, haremos un recorrido sobre los diferentes motivos violentos que aparecen en la obra de Laila Ripoll y destacaremos el abuso del poder que se ejerce contra estos niños de la Guerra Civil Española.
La edición utilizada es la siguiente:



RIPOLL, Laila. Los niños perdidos. Introducción de Francisca Vilches de Frutos. KRK A ESCENA. 2010, Oviedo 978-84-8367-288-4

En esta obra cabe destacar el uso de la Memoria Histórica que hace la autora para reivindicar las voces de aquellos que no pudieron hacerlo en su momento. La escena se desarrolla dentro de la buhardilla de un orfanato en la que fueron casi abandonados tres niños víctimas de la Guerra Civil española. Estos tres niños en su día fueron hijos de personas que murieron o sufrieron durante la guerra a causa de sus ideales izquierdistas. Los niños viven en un miedo constante atormentados por la figura de la monja Sor, que amenaza con no darles de comer o incluso hacerles daño. La violencia está presente durante toda la obra tanto entre los propios niños, como entre Sor y los pequeños. Las peleas entre los tres son constantes aunque siempre se solucionan gracias al deficiente mental que les acompaña y aconseja. Obviamente la violencia que ejerce Sor es muchísimo más dura que la ocasionada entre los tres niños. El deficiente encarna el papel de la monja y lo utilizan a modo de sorna contra ella, pero la violencia sigue presente y también entra en el juego de la representación. Vemos como estos niños se encuentran desnutridos, solos y maltratados por el simple hecho de pertenecer a familias cuyos ideales no eran los más afines al franquismo.




Al final de la obra, somos testigos de cómo todo ha resultado una fantasía del deficiente en cuya memoria todavía viven estos tres niños a pesar de que se intentase ocultar su historia. Podría tomarse como símil de la actualidad, ya que el Gobierno y la Historia se empeñan en borrar estos capítulos negros de nuestra memoria, pero en las mentes de los hijos y nietos de las víctimas sigue vivo el sufrimiento de estas personas. Se desvela al final cómo Sor encierra al más pequeño en la buhardilla por el hecho de que no controla su vejiga a causa del miedo, cómo se encuentra aislado, a oscuras y desnutrido y cómo los otros dos acuden en su ayuda. La monja arroja al crío por la ventana causando su muerte inmediata y siendo testigos los otros dos niños. Es por ello, que la monja acaba a golpes con la vida de los dos. Esta historia queda latente en la memoria del deficiente que decide acabar con la vida de la monja y revivir a los niños inocentes cada día en su memoria para que la historia siga viva. Estos niños constantemente luchan por evitar recordar el momento de su fallecimiento y por consiguiente, a la figura de la monja. Tales esfuerzos no logran acabar con esa visión de la religiosa que les hace volver a recordar una y otra vez el terror sufrido por los tres huérfanos y el remordimiento que lleva dentro el deficiente. El alcance del trauma que les provoca a los cuatro la figura de esta señora, podemos verla en el siguiente fragmento:

Tuso: (Completamente aterrorizado.) […] Está ahí, sin moverse de la puerta! ¡Y se ríe! ¡Se ríe sin dientes, pero se ríe! ¡Es verdad, que lleva la misma ropa y el mismo vergajo, pero no huele!

Lázaro: ¡Los fantasmas no huelen!

Cucachica:  ¡Me hago pis, me hago pis, me hago pis…!

Tuso: ¡Y le sangra la nariz! ¡Está igual! ¡Igualita que aquel día! ¡Con la nariz torcida y el matoma en el ojo y todo!

Cucachica: ¡Ay, mamaíta, que tengo mucho pipí! […] ¡Que cada vez están más cerca las baldosas! ¡Ay, mamá! ¡Mamaíta, que me caigo y me espatarro!

[…]

Tuso: ¡Si no se ha ido! ¡Está ahí, con los ojos como natas! ¡Y yo no quería!

Marqués: ¡Por tu culpa, meón de mierda! Por tu culpa me dio con el bastón en las costillas, y en la cabeza…

Tuso: ¡No queríaaaa!

Cucachica: ¡Mamaíta, que se me ha roto todo el cuerpo! ¡Mamita, que ya no hay quien me componga!

Marqués: ….Y mientras me daba con el bastón en las narices me decía. ‘Rojo de mierda, hijo de Satanás’…. Y yo, venga a sangrar por los oídos y por la boca, que todo me sabía a sangre…


Tuso:¡Que fue sin querer! 

(Página 162)

Los cuatro personajes reflejan en este fragmento su odio y la experiencia personal que cada uno de ellos tuvo con la religiosa. 
Cucachica, el más pequeño, comienza a hacerse pis debido al miedo y llama constantemente a su madre. Fue precisamente esto, lo que originó la ira de la religiosa y la llevó a arrojar al pequeño por la ventana.

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El Marqués le recrimina a Cucachica que por su culpa la monja le golpeó con el bastón en las costillas mientras le gritaba "rojo de mierda". Se produce una ruptura espacio-tiempo ya que Marqués narra cómo le sangraban los oídos y la boca, cuando en ese instante ya se encontraba muerto debido a los golpes y no podía sentir su propio cuerpo sangrando.

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Lázaro se mantiene más sereno que el resto ante la presencia del "fantasma" de la monja y asegura que los fantasmas no huelen.
Tuso, por su parte, intenta excusarse ante el asesinato de la monja alegando que todo fue sin querer, aunque sigue remordiéndose en su interior.

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El título recoge a la perfección el argumento de la obra, ya que historias como ésta se perdieron en los anales de la historia y nadie parece querer volver a sacarlas a la luz. Haciendo un símil con Los niños perdidos de J.M.Barrie en su obra Peter Pan, los niños de Laila Ripoll también fueron olvidados y sus vidas quedan congeladas en la niñez dentro de la mente del deficiente, viven bajo el miedo de Sor (en Peter Pan viven bajo la amenaza del Capitán Garfio, que representa la autoridad) y se rebelan contra ella cada vez que montan un teatrillo (al igual que en Peter Pan se llevan a cabo danzas y batallas imaginarias).

La obra se encuentra dentro de la nueva corriente denominada teatro del enigma, por lo que hasta el final de la obra no se nos desvela que estos tres niños con los que Tuso se comunica son en realidad redivivos rescatados por la memoria de éste para hacer más amena su soledad e intentar aliviar el remordimiento por haber asesinado a la cuidadora religiosa que acabó con la vida de sus amigos.

Finalmente y tras la pequeña reflexión de esta entrada, me gustaría invitar a todos los lectores a reflexionar sobre ese pasado oscuro que todos llevamos a nuestras espaldas, ya que el que más y el que menos, tienen algún pariente que fue víctima de esta Guerra Civil Española que no dejó indiferente a nadie. Opino que deberíamos tener más presentes nuestros errores cometidos en el pasado para así no volverlos a cometer en el futuro; todo lo contrario de lo que se pretende hoy en día echando tierra sobre la historia de nuestro propio país y los errores nacionales.

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A modo de curiosidad, añado este enlace en el que podrán ser testigos de  cómo 75 años después, los niños ya mayores víctimas de aquella tragedia cuentan su versión de la historia. Realmente emocionante.

viernes, 6 de junio de 2014

Los niños perdidos de la Guerra Civil

17 de julio, 1936. La escuela ya ha acabado y los que más y los que menos, comienzan a disfrutar de los primeros días de verano. El amanecer en el campo y las tardes en la playa, acompañados por varios primos y hermanos que hacen más ameno el paso de los días de estío. 


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Un golpe de Estado acaba con toda la tranquilidad que conlleva el verano. El territorio español queda dividido entre territorio republicano y territorio sublevado. El bando sublevado no consiguió alcanzar su objetivo principal de apoderarse del punto neurálgico del poder, Madrid, ni de las grandes ciudades, como Barcelona, Valencia, Bilbao, Málaga o Murcia (aunque sí controlaban Sevilla, Zaragoza y Córdoba), pero dominaban cerca de la mitad del territorio español, ya que controlaban Galicia, Castilla y León, Álava, Navarra, gran parte de la provincia de Cáceres y la mitad de Aragón; menos Asturias, Cantabria, Vizcaya y Guipúzcoa, que quedaron aisladas del resto de la zona republicana, y Cataluña. Además dominaban Sevilla, Córdoba y Cádiz. Millones de niños españoles quedaron separados de sus familiares por culpa de estas divisiones. Primos y hermanos que por límites territoriales debieron luchar unos contra otros sin saber bien lo que hacían.

Bebés recién nacidos cuyas almas se tachaban de republicanas por el simple hecho de que sus padres defendían tales causas e incluso niños de cualquier edad que eran asesinados sin ningún tipo de piedad por el mero hecho de pertenecer a familias no falangistas.

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Me gustaría aportar un vídeo en el que se ve reflejada (mediante fotos explícitas) la crueldad a la que estuvieron sometidos estos niños.


Laila Ripoll pretende limpiar las telarañas de un pasado español del que parece que ya nadie se acuerda. Los niños protagonistas de la obra, nacen de la memoria de uno de ellos, Tuso, por lo que el relato en su totalidad depende de los recuerdos de éste. Los tres niños con los que conversa Tuso, son en realidad el recuerdo creado por éste de tres de los compañeros de orfanato que en su momento fueron arrancados de los brazos de sus padres de ideas izquierdistas para ser internados bajo una orden religiosa.

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En este primer contacto con la obra, me gustaría mostrar este fragmento de las palabras de la monja encargada de cuidar a los niños, que me parece clave en el desarrollo de la acción.

Sois la bancarrota de la castidad. Sois la manzana podrida y licenciosa que, si la dejamos, emponzoñará a nuestra esperanzadora juventud. Sois la hez de este mundo y del otro. Piojosos. ¡Judíos! Habéis heredado de vuestros progenitores los siete pecados capitales. Y en las llamas del infierno os habéis de condenar. Ja. ¿Qué es el infierno? Pues el infierno: una sima hondísima llena de llamas y en ellas están los demonios y condenados revolviéndose y entrechocándose en horrible revoltijo, como los garbanzos del cocido hirviendo en la olla. Allí estaréis quemándoos eternamente, sin morir jamás, porque la justicia de Dios así lo exige. Ja. No habéis sabido vencer la sangre que os corrompe. No habéis aprendido nada en todo este tiempo. Lástima de dinero gastado. Mejor hubiera sido haber acabado con vosotros igual que con vuestros padres. Sois alevines de Barrabás, renacuajos de Sodoma, crías de Caín ... Y vuestros padres... ¡Escoria y ateísmo eran vuestros padres! ¡Devoracuras! Ja. 

Recuerdo que este personaje le está hablando a niños que apenas superan los doce años. Los considera escoria y "plaga" que cuando crezcan contaminarán los ideales del resto. Utiliza el insulto judío para referirse a ellos e incluso les acusa de llevar consigo los siete pecados capitales. Los condena al infierno y les amenaza con lo que allí encontrarán en el nombre de un Dios que según ella considera, está a favor del bando falangista. Les acusa de "no haber vencido la sangre que les corrompe" sin tener en cuenta que tan solo son unos niños cuya única preocupación es volver a casa y jugar. Les insulta de una de las formas más graves que existen, recriminándoles sus orígenes. Estos tres niños son tachados de izquierdistas sólo por ser hijos de quienes eran. Incluso se lamenta ante ellos de no haber acabado con sus vidas como en su momento se hizo con la de sus padres. Esta monja  es una persona cruel con ningún escrúpulo que no duda en desquitarse de sus frustraciones con tres niños inocentes. Resulta curioso cómo todas las comparaciones van emparejadas con elementos bíblicos. En teoría esta señora es una emisaria del Señor, enviada a la Tierra para hacer el bien y ayudar al prójimo y Laila Ripoll constantemente nos recuerda la función teórica de esta señora ya que sus palabras a cada instante nos hacen olvidar su vocación. Aquí se muestra cómo el bando falangista (en este caso, que es el más duramente tratado) se escuda en cualquier excusa para justificar sus desmesurados actos. Esta monja utiliza la religión como escudo para acribillar a los tres pequeños justificando el ateísmo de sus padres. Resulta desgarrador leer este texto poniéndose en situación y teniendo en cuenta a los receptores de tales palabras.


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En la siguiente entrada, estudiaremos a fondo el poder y la violencia desatada en la obra de Laila Ripoll.

lunes, 19 de mayo de 2014

El poder y la violencia en Bodas de Sangre

A continuación, haremos un estudio sobre el poder y la violencia que encontramos dentro de la obra Bodas de Sangre de Federico García Lorca. Siguiendo con el planteamiento de las entradas anteriores, añado la edición utilizada para este comentario.

GARCÍA LORCA, Federico. Bodas de sangre. 24ª ed. de Allen Josephs y Juan Caballero. Madrid, España. CATEDRA Letras Hispánicas. 2012. pp. 170. ISBN: 84-376-0560-9

Antes de comenzar, no debemos olvidar que la obra Bodas de Sangre está basada en una historia real que sucedió en Almería en 1928.

En el verano de ese mismo año, Federico García Lorca pasaba la temporada estival en una residencia rupestre en Níjar, Almería. A través del periódico local, pudo conocer la historia de Francisca Cañada Morales, una joven de 20 años que el día de su boda se dio a la fuga con su primo hermano Francisco Montes Cañada, diez años mayor que ella y del cual siempre estuvo enamorada. Tras unos matorrales en los que se escondían, tres tiros acabaron con la vida de Francisco y Paca sobrevivió milagrosamente al estrangulamiento. 
En aquella época y según la costumbre almeriense, era costumbre celebrar las bodas de madrugada y así se llevaría a cabo ésta, a las 3 de la mañana con la novia vestida de negro. El padre de la novia, Francisco Cañada, poco tuvo en cuenta los sentimientos de su hija enamorada de su primo hermano, y con el único fin de mantener su herencia en casa, la mandó casar con Casimiro Pérez Pino. 

En este enlace podréis encontrar mayor información sobre los hechos acontecidos en Níjar en julio de 1928.

Durante toda la obra de Lorca, vemos el reflejo de esos hechos acontecidos en 1928. El poder de la riqueza acecha constantemente a la tragedia real, ya que como se conoció a lo largo de los años, el asesinato fue debido al interés por heredar los bienes de la novia. 
La honra es otro de los poderes esenciales que entra en la escena lorquiana, ya que es la responsable del asesinato y ronda constantemente los pensamientos de la MADRE y el resto de personajes, determinando su comportamiento a lo largo de la obra.

El tema principal tratado en esta obra es la vida y la muerte que se ven alteradas por la acción del poder del honor y la violencia de los personajes. De un modo ancestral las leyendas y los paisajes utilizados por Lorca introducen al lector en un mundo de oscuras pasiones cuyo único fin son los celos, la persecución y la violenta muerte de los protagonistas. El amor intenta combatir contra la violencia a la que se enfrentan los personajes.

A continuación, me centraré en la estrecha relación entre el personaje de LEONARDO y el caballo. 
Es curioso destacar en primer lugar, cómo LEONARDO es el único personaje que tiene nombre propio en la tragedia; además, este nombre nos conduce a pensar en un fiero animal como es el león. Este personaje felino y animal se relaciona constantemente con el caballo. Este caballo utilizado por García Lorca tomará dos vertientes en su obra: el sexo y la muerte. Por destacar algunas citas del libro, vemos que se dice que: 

«se ha visto a LEONARDO al límite los llanos con el caballo reventado de sudor»

«El caballo se encuentra tendido, con los ojos desorbitados como si llegara del fin del mundo»

Al llegar LEONARDO el primero a la boda, según la CRIADA: 

«va a matar al caballo con tanta carrera»

a lo que LEONARDO responde: 

«¡Cuando muera, muerto está!» 

Aquí vemos el poder que ejerce LEONARDO sobre ese caballo al que maltrata y extenúa con el único fin de lograr su cometido, encontrarse con su amada. La violencia hacia el animal se refleja en el poder que tiene el humano sobre la bestia por el simple hecho de ser humano.
Es curioso además, ver cómo ese caballo sobre el que LEONARDO ejerce su poder y maltrata, resulta estar ejerciendo el poder de vehículo hacia la muerte, ya que como veremos más adelante, este caballo será el encargado de conducir a LEONARDO a su final.

El caballo que aparece en la nana lleva «puñales de plata en los ojos», al igual que 

«LEONARDO lleva una espina en cada ojo»

cuando discute con su mujer. Hasta aquí vemos como ese caballo simboliza constantemente la amenaza de la muerte y la violencia a la que va a ser sometido LEONARDO, que constantemente le recuerda su naturaleza animal. Parece ser como si esta violencia con la que se trata al caballo, le fuese devuelta a LEONARDO con su propia muerte. 
Al final de la boda, cuando la mujer de LEONARDO descubre que se han fugado, exclama: 

«¡Han huido! ¡Han huido! Ella y LEONARDO. En el caballo. ¡Iban abrazados, como una exhalación!» 

Este caballo simboliza esa mezcla de sexo y muerte. Ambos van abrazados como una exhalación hacia su muerte. Representa esa pasión alocada que les lleva a cavar su propia tumba. Ellos mismos han ejercido su poder de voluntad para decidir huir juntos, ya que conocían perfectamente las consecuencias a las que se atenían.

http://conilsinfrontera.es/wp-content/uploads/2013/02/pareja_caballo_playa.jpg
Otra representación de la violencia la encontramos constantemente en la aparición de las armas como el cuchillo y la navaja, que ya comentamos en la entrada El caballo y el cuchillo de Federico García Lorca. Estas armas representan la historia del hijo y del padre fallecidos a consecuencia de su uso. La muerte violenta del padre y el hermano del NOVIO se da a conocer mediante los amargos comentarios de la MADRE, que desde un principio nos anticipa la muerte del NOVIO y crean en la obra un clima de violencia que es palpable e inevitable.

Me gustaría destacar las palabras que dedica Christopher Maurer al final del tercer acto de Bodas de Sangre:
«Para la escena apoteósica de la Luna, Lorca se apoyó en la música para preparar al público para lo extraño y lo poético del tercer acto, empleando el segundo concierto Brandemburgo de Bach. "Bodas de sangre... está sacada de Bach... ese tercer acto, eso de la luna, eso del bosque, eso de la muerte rondando, todo está en la Cantata de Bach que yo tenía»

https://www.youtube.com/watch?v=2MtZxQ4m_jQ

Además en este enlace podréis deleitaros con la Cantata 140 de Bach.

Me resulta curiosa esta aportación, ya que desde el origen de los tiempos la música ha sido un instrumento bastante útil para representar las emociones humanas. Concretamente estas dos piezas de Bach, transmiten ese sentimiento de angustia que rápidamente hace que nos sobrecojamos ante una sensación de violencia desconocida, que se apodera de nosotros a la vez que nos va poniendo en situación.

La obra al completo refleja ese ambiente violento y sangriento que desde el propio título ya nos va advirtiendo del desenlace. Contrasta esa violencia de la obra con las notas suaves desarrolladas por Bach, por lo que una lectura acompañada por estas dos deliciosas composiciones seguro resultará un exitoso deleite para los sentidos.

jueves, 15 de mayo de 2014

El reflejo de la luna

En esta segunda entrada dedicada a Bodas de sangre, seguiremos trabajando el tema del simbolismo en Federico García Lorca. En este caso, hablaremos sobre el uso que se da de la luna y el agua. De nuevo recordar la edición utilizada para este comentario para así facilitar la lectura de las páginas señaladas.


GARCÍA LORCA, Federico. Bodas de sangre. 24ª ed. de Allen Josephs y Juan Caballero. Madrid, España. CATEDRA Letras Hispánicas. 2012. pp. 170. ISBN: 84-376-0560-9

La luna


En palabras de Álvarez de Miranda cuyo estudio se basa en la obra del historiador rumano Mircea Eliade, vemos la luna como algo que crece y decrece, nace y muere; siendo por excelencia el astro de los ritmos de la vida. Es agente y símbolo de fecundidad, de vida y de muerte. (Ibíd., pág. 39).
A su vez, el crítico Rupert C. Allen considera que la escena de la luna es el interludio simbólico más poderosamente sustentado que Lorca jamás concibió. Explica que mediante esta escena traspasamos el umbral del simbolismo.


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En las últimas escenas, LEONARDO y la NOVIA llegan al bosque como si fueran un Romeo y una Julieta telúricos, cuyo destino se marca por la LUNA acechante que aparece en ese momento. Esta LUNA aparece como «un leñador joven con la cara blanca. La escena adquiere un vivo resplandor azul» (destaco aquí que a pesar de ser un LEÑADOR el personaje que aparece, en todas las representaciones este papel fue desempeñado por una mujer). Comienza aquí un soliloquio en el que la particular misión de la LUNA cobrará un sentido especial.
LUNA.
Cisne redondo en el río,
ojo de las catedrales,
alba fingida en las hojas
soy; ¡no podrán escaparse!
¿Quién se oculta? ¿Quién solloza
por la maleza del valle?

En esta primera parte vemos cómo la LUNA se identifica con el reflejo de un cisne en el río, con las gotas de rocío reflejadas en las hojas y con la linterna de las catedrales. Esta luna que es reflejo de la realidad según ella misma es todopoderosa y todo lo ve. Descubre a los amantes ocultándose en la maleza.

La luna deja un cuchillo
abandonado en el aire,
que siendo acecho de plomo
quiere ser dolor de sangre.

La LUNA se encuentra sedienta de sangre y vuelve a aparecer la figura del cuchillo, que en este caso podría hacer referencia a un rayo de luna dejado por ésta para que descubran a los fugados.

¡Dejadme entrar! ¡Vengo helada
por paredes y cristales!
¡Abrir tejados y pechos
donde pueda calentarme!
¡Tengo frío! Mis cenizas
de soñolientos metales,
buscan la cresta del fuego
por los montes y las calles.

La LUNA sigue reivindicando su sed de venganza y busca cobijo en las almas de LEONARDO y la NOVIA.

Pero me lleva la nieve
sobre su espalda de jaspe, 
y me anega, dura y fría,
el agua de los estanques.
Pues esta noche tendrán
mis mejillas roja sangre,
y los juncos agrupados
en los anchos pies del aire.


El paisaje va tomando un cariz oscuro y dramático, parece como si se estuviera preparando para la tragedia. La nieve dura y fría, el agua estancada y los juncos agrupados van convirtiendo la escena en un paraje tétrico y hostil.

¡No haya sombra ni emboscada,
que no puedan escaparse!
¡Que quiero entrar en un pecho
para poder calentarme!
¡Un corazón para mi!
¡Caliente, que se derrame
por los montes de mi pecho;
dejadme entrar, ¡ay, dejadme!
(A las ramas.)
No quiero sombras. Mis rayos
han de entrar en todas partes,
y haya en los troncos oscuros
un rumor de claridades,
para que esta noche tengan
mis mejillas dulce sangre, 
y los juncos agrupados
en los anchos pies del aire.
¿Quién se oculta? ¡Afuera digo!
¡No! ¡No podrán escaparse!
Yo haré lucir al caballo
una fiebre de diamante.

La LUNA no cesa en su empeño y sigue buscando acabar con los dos amantes. Aquí se muestra la forma en que esta LUNA demuestra su lado perverso cuya finalidad única se convierte en acabar con los fugitivos.


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Esta luna sedienta nos recuerda a la luna que aparece en el Romance de la luna, en el que Federico utiliza este elemento como vehículo para anunciar la muerte del niño gitano.



La luna vino a la fragua 

con su polisón de nardos. 
El niño la mira mira. 
El niño la está mirando.

En el aire conmovido 
mueve la luna sus brazos 
y enseña, lúbrica y pura, 
sus senos de duro estaño.

Huye luna, luna, luna
Si vinieran los gitanos, 
harían con tu corazón 
collares y anillos blancos.

Niño déjame que baile. 
Cuando vengan los gitanos, 
te encontrarán sobre el yunque 
con los ojillos cerrados.

Huye luna, luna, luna
que ya siento sus caballos. 
Niño déjame, no pises, 
mi blancor almidonado.

El jinete se acercaba 
tocando el tambor del llano. 
Dentro de la fragua el niño, 
tiene los ojos cerrados.

Por el olivar venían, 
bronce y sueño, los gitanos. 
Las cabezas levantadas 
y los ojos entornados.

¡Cómo canta la zumaya, 
ay como canta en el árbol! 
Por el cielo va la luna 
con el niño de la mano.

Dentro de la fragua lloran, 
dando gritos, los gitanos. 
El aire la vela, vela. 
el aire la está velando.


El agua

El agua como vida y como muerte se presenta a lo largo de la obra en reiteradas ocasiones. Puede presentarse de varias formas.

El agua limpia y purficada es fresca; en la obra vemos cómo la MADRE dice: 

«al agua se tiren las honradas, 
las limpias; ¡ esa no!»

(Acto II Cuadro II)

La MADRE considera que arrojarse al agua es un acto heroico y lleno de valor que sólo pueden realizar aquellas que sean honradas y no tengan nada que ocultar.


http://yoseporque.com/por-que-el-agua-corriente-es-mas-pura-que-el-agua-estancada/


 El agua negra representa el agua estancada, envenenada y sucia. En un sentido figurado, el odio envenena el correr del agua (que representa el cauce de la vida): 



«Ay caballo grande 
que no quiso el agua» 

(Acto I Cuadro II)

El agua en este caso representa peligro, es por ello que el caballo no quiere beber y las mujeres le advierten de que no lo haga.


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El río es una de las metáforas con la que Federico García Lorca expresa el erotismo y la sensualidad.
Cuando habla sobre el agua que corre con las largas curvas que origina a su paso entre los valles, puede darnos la sensación de una dama con un largo manto:
«[...] el agua con su larga cola [...]»

(Acto I Cuadro II)

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Para Lorca, un "río muerto" es aquel que está estancado, sin vida, careciendo de movimiento. Esto bien puede transmitirnos esas sensación de agua estancada que conlleva la muerte y el fin del río y por consiguiente, de la vida. 

«¡Que los ríos del mundo lleven tu corona!»  

(Acto II Cuadro I)


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A raíz de este palabras, me gustaría relacionar la imagen que aparece sobre estas líneas con los versos de García Lorca. La imagen representa un pequeño rincón del Panteón de los Marinos Ilustres de la ciudad en la que vivo, San Fernando, Cádiz. Este rincón consiste en una amplia sala redonda, cuyo centro en su totalidad lo ocupa una especie de piscina. ¿Qué tiene esto que ver con los versos de Lorca? Pues bien, si nos fijamos con detenimiento en el agua que contiene esta piscina, observaremos rápidamente que algo extraño le ocurre. ¿A qué se debe esto? A la diferencia de densidad entre las aguas que contiene. ¿Y eso? Esta piscina representa un homenaje a todos aquellos marineros cuyas vidas acabaron en el mar, por lo que contiene agua de todos los océanos y mares del planeta. He aquí el símil entre los versos lorquianos y este pequeño homenaje de mi tierra. La vida es ese río en constante final que va a parar al mar, como podemos ver aquí. Lorca pide que los ríos del mundo lleven su corona, nuestro panteón también tiene en el centro de la piscina una corona de laurel para honrar a todos aquellos, que aunque anónimos, también se merecen su gloria eterna. ¿Y por qué agua? Porque es capaz de reflejar el cielo, aquel bien no material que todos los mortales ansían conseguir al final de sus vidas.

miércoles, 14 de mayo de 2014

El caballo y el cuchillo de Federico García Lorca

A continuación, haremos un estudio sobre el simbolismo utilizado por Federico García Lorca a lo largo de Bodas de Sangre. Este tema se trabajará a lo largo de dos entradas; en la primera hablaremos sobre el caballo y el cuchillo y en la segunda sobre el agua y la luna.
La edición utilizada es la siguiente:


GARCÍA LORCA, Federico. Bodas de sangre. 24ª ed. de Allen Josephs y Juan Caballero. Madrid, España. CATEDRA Letras Hispánicas. 2012. pp. 170. ISBN: 84-376-0560-9

El caballo


Es curioso destacar cómo LEONARDO es el único personaje que tiene nombre propio en la tragedia; además, este nombre nos conduce a pensar en un fiero animal como es el león, lo que nos hace pensar en una personalidad felina y salvaje. Este personaje felino y animal se relaciona constantemente con el caballo. Este caballo tomará dos vertientes en la obra de Lorca: el sexo y la muerte. 



Por destacar algunas citas del libro, vemos que se dice que:

«se ha visto a LEONARDO al límite los llanos con el caballo reventado de sudor»

«El caballo se encuentra tendido, con los ojos desorbitados como si llegara del fin del mundo»

Al llegar LEONARDO el primero a la boda, según la CRIADA

«va a matar al caballo con tanta carrera» 

LEONARDO le responde: 

«¡Cuando muera, muerto está!» 

El caballo que aparece en la nana lleva «puñales de plata en los ojos», al igual que «LEONARDO lleva una espina en cada ojo» cuando discute con su mujer. Hasta aquí vemos como ese caballo simboliza constantemente la amenaza de la muerte, que se va cerniendo sobre LEONARDO y que constantemente le recuerda su naturaleza animal. Parece ser como si esta violencia con la que se trata al caballo, le fuese devuelta a LEONARDO con su propia muerte. Al final de la boda, cuando la MUJER de LEONARDO descubre que se han fugado, exclama: 

«¡Han huido! ¡Han huido! Ella y LEONARDO. En el caballo. ¡Iban abrazados, como una exhalación!» 

Este caballo simboliza esa mezcla de sexo y muerte. Ambos van abrazados como una exhalación hacia su muerte. Representa a esa pasión alocada que les lleva a cavar su propia tumba.



El cuchillo

Antes de comenzar, debemos tener en cuenta que Bodas de sangre se enmarca dentro de un mundo basado en el racionalismo y el cristianismo que dejó de existir en el mundo occidental. Este mundo se encuentra exento de virtud y de vicio, va más allá de los principios morales. Este mundo se encuentra desbordado por el sentido místico de la vida, la forma en que se obtiene ésta y la forma en que se pierde. Partiendo de esta visión mística del mundo, llegamos al tema del sacrificio. En la obra aparece la muerte, pero lo realmente destacable es por qué se muere y cómo. El muerto se convierte en una víctima de la sangrienta obsesión de Lorca por el cuchillo



La navaja aparece en la primera escena de la obra, mentada por la MADRE:


La navaja, la navaja... Malditas sean todas y el bribón que las
inventó.

Es curioso cómo Lorca también dedica las últimas palabras de la obra a este arma.

Y apenas cabe en la mano,
pero que penetra frío
por las carnes asombradas
y allí se para, en el sitio
donde tiembla enmarañada
la oscura raíz del grito.

Desde el inicio de la tragedia, se nos da a conocer la relevancia de este cuchillo que ha acabado con la vida del padre y del hermano del NOVIO. La MADRE en todo momento se muestra reacia al uso y manipulación de las armas y sobre todo, si son cuchillos. Es constante la mención del padre y el hijo muertos de una forma tan trágica y sangrienta como lo es morir a causa de un cuchillo. En la primera parte, después de la retahíla que la madre le suelta al NOVIO acerca de los cuchillos, la muerte de su familia y la violencia,  observamos la siguiente conversación:

MADRE. Sí, sí, y a ver si me alegras con seis nietos, o los que te dé la gana, ya que tu padre no tuvo lugar de hacérmelos a mí.
NOVIO. El primero para usted.
MADRE. Sí, pero que haya niñas. Que yo quiero bordar y hacer encaje y estar tranquila.

Aparece aquí un contraste entre las labores del hogar, que representan esa paz constante que suele rodear a las familias cuando se encuentran en casa; en contraposición con las labores del cuchillo, que representarían esa guerra constante entre los hombres para acabar unos con otros.
En la página 108 encontramos la nana cantada entre la SUEGRA y la MUJER, en la que de nuevo encontramos otra referencia al arma, en este caso, un puñal.

Las patas heridas,
las crines heladas,
dentro de los ojos 
un puñal de plata.

Este puñal de plata en los ojos del caballo indica que la pasión se ha impuesto.

El cuchillo durante toda a obra representa la muerte, lo fatídico y la perdición. Acaba con la vida de diversos personajes a lo largo de la obra y va cobrando importancia a lo largo de la obsesión de Lorca por él.
Me parece interesante destacar una reflexión de Álvarez de Miranda que dice así:

... El himno de los protagonistas, MADRE y NOVIA, al terrificante instrumento mortal; ambas repiten insistentemente, hasta que cae el telón, los versos extáticos del cuchillo. Una especie de adoración al cuchillo que une en idéntico gensto a las dos feroces rivales. Ya no lloran cada una a su muerto, no execran ya cada cual al matador de éste. Las muertes recíprocas, y el poeta hace a sus personajes oír de rodillas el himno del cuchillo. El cuchillo es la muerte y es su causa, es su misterio y su fascinación. (Álvarez de Miranda, pág. 34).